Basquiat è famoso e… costoso. Nel maggio del 2017 una sua opera Untitled del 1982 è andata all’asta e acquistata per 100 milioni di euro a dimostrare che a trent’anni dalla morte per overdose del giovane artista (nel 1988 Jean Michel aveva soli 27 anni), il suo mito, perché ormai di mito si parla, è vivo e intatto.
Writer e pittore, ma anche musicista e produttore, DJ, fanatico di jazz e di hip hop Jean Michel Basquiat è protagonista di una mostra londinese al Barbican Centre, che, a tutt’oggi, è forse la retrospettiva più completa dell’opera dell’artista.
Boom for real, il titolo della mostra, era una delle frasi “trademark” di Basquiat insieme alla corona e ai segni ™️ e ©️ e ricorre spesso nelle sue opere pittoriche, apparendo come un’aggiunta casuale ma rivelando in realtà l’amore dell’artista per il suono delle parole scollegato da qualsiasi significato, per il loro ritmo piuttosto che per il messaggio che potevano trasmettere. Basquiat ha usato il suo pennello, le sue parole e i suoi “marchi” come armi, rivelando la sua complessità e le sue evidenti contraddizioni: Basquiat che celebra la cultura nera, che si scaglia contro la società consumistica, di cui naturalmente fa parte, contro il razzismo o la brutalità della polizia sono tutte facce di una stessa medaglia, di un artista che fu la personificazione di un’epoca e di un luogo – la New York della fine degli anni ’70 e degli anni ’80 – di cui fu l’espressione più influente.
Come afferma una delle curatrici della mostra, Boom for real “onora la natura multidisciplinare del lavoro di Basquiat e lo spirito vitale che vi è incapsulato”. Ed è proprio questa la sensazione che da vecchia ragazza, quale sono, (aveva solo tre anni più di me) ho provato forte. Guardando le sue foto, una sua intervista televisiva, ipnotizzata da quella faccia da ragazzino dal sorriso disarmante ho percepito, quasi più che guardando le sue opere, lo spirito di un’intera epoca, una nostalgia lacerante per la giovinezza che – avendo Jean Michel perso la vita a 27 anni – egli personifica e incarna. Forse è proprio questo che ce lo rende caro…
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La vita o è stile o è errore
La nostra immagine, come italiani deriva dal nostro stile di vita. Cinema e moda l’hanno portata nel mondo, tirandosi dietro anche altri settori come l’alimentazione, il mobile e così via.
Uno stile di vita complesso che si riassume in una parola: buongusto. Si applica a come mangiamo, a come ci vestiamo, a come arrediamo ma anche a come ci approcciamo alla vita. Si suppone che noi italiani sappiamo farlo con leggerezza e appunto “buongusto”.
Ora, il problema è che oggi rappresentare questo stile nel mondo è divenuto difficile. Da un lato internet rende impossibile farlo senza essere banali: le cose di base sull’Italia sono disponibili ovunque. Dall’altro lo scenario è cambiato: elementi di quello stile che ci ha resi unici e famosi ci sono ancora, ma anche altri ce li hanno. Faccio un esempio: il nostro vino è ormai in competizione con quello di mezzo mondo e hai voglia a dire che da noi è una tradizione: sai cosa gliene importa a chi compra il vino a Rio de Janeiro? Questo si applica a tutti i nostri tradizionali punti di forza. La moda tiene, si dice: beh, insomma. Campa in mani straniere e dove è ancora italiana si dibatte nella discussione sull’opportunità di riportare tutte le produzioni in Italia. Il mobile va: certo, e il salone del mobile è ancora un grande evento, ma ormai l’unico nel suo genere, e purtroppo è anche cronicamente scollegato dal sistema moda, con cui dovrebbe interagire. Abbiamo slow food: super vero. Ma anche tante porcherie che avvelenano il nostro cibo; chi le mangia più le mozzarelle prodotte accanto alla terra dei fuochi? E tutto il mondo sa della terra dei fuochi: a me ne hanno parlato amiche americane!
La domanda allora è: ma c’è un modo di ricostruire uno stile italiano per usarlo in modo da ri – affermarci nel mondo? Gli americani chiamano soft power l’attrattività culturale di un paese. Un potere basato sulla seduzione e non sulla potenza militare o economica.
Con lo stile italiano noi il soft power ce lo avevamo. Ma adesso come lo ricostruiamo? Come ricreiamo un soft power per ricavarci un nuovo posto nel mondo di domani?
La vita o è stile o è errore, si diceva un tempo. Speriamo lo capiscano anche i nostri politici.
Le avventure della verità
Andar per musei può essere un modo diverso di organizzare le vacanze: se poi il museo si trova in una delle città più vacanziere e affascinanti della Costa Azzurra, unire l’arte con il divertimento è naturale. E’ così che vorrei segnalarvi una mostra che si aprirà il 29 giugno prossimo a Saint-Paul de Vance presso la Fondation Maeght, dal titolo “Les aventures de la vérité. Peinture et philosophie: un recit”. La mostra non è curata da un critico d’arte, ma dal filosofo Bernard-Henry Lévy che la ha pensata e studiata per due anni, su invito dal direttore della Fondazione Olivier Kaeppelin, con lo scopo di esplorare i rapporti tra arte e filosofia. E la verità è il fulcro attorno al quale ruotano le opere scelte. Tutto è partito, come Henri Lévy ha riferito in un’intervista a Beaux Arts, da una lettera di Cezannè scritta a Emile Bernard, dove il pittore afferma che la verità possa essere raggiunta attraverso la pittura, cosa che invece Platone aveva escluso potesse avvenire. Per il filosofo greco, infatti, l’artista poteva solo imitare ciò che già era una copia della realtà ultima. Chi ha ragione dei due, si domanda il filosofo? E su questa domanda costruisce la mostra.
Nella mostra si cerca di mettere in luce come le immagini hanno influito, trasformandola, sulla storia del pensiero. Al centro dell’esposizione è stata posta una scultura di Marina Abramovic, intitolata The Communicator (number 4), una testa di cera nera trafitta da cristalli di quarzo. Sono visibili poi un centinaio di opere antiche e contemporanee, divise in sette sezioni ,viste come un percorso intellettuale e artistico: Così vengono affiancate opere come la crocifissione di Basquiat e quella del Bronzino, oppure la Pietà dell’artista ferrarese del Quattrocento Cosmé Tura e quella dell’artista contemporaneo Jan Fabre. Ogni opera sarà illustrata da un testo del filosofo e si potranno vedere dei video degli artisti che leggono una scelta di testi di filosofi indicata da Henry Lévy stesso.
Non sarà semplice cogliere in pieno il percorso immaginato da Henri Lévy, che lega assieme l’origine iconoclastico delle nostre società d’origine giudaico-cristiana e l’affermarsi nel tempo delle immagini sul pensiero. Ci verranno posti dei dubbi sul ruolo dell’arte nella nostra esistenza e sarà messo l’accento sul fatto che l’arte non può essere letta come si leggono i fatti della storia: l’arte ha sempre qualcosa di sacro e non può essere separata dall’esperienza estetica.
Sicuramente questa mostra è uno degli eventi da non perdere di quest’estate: “uno degli eventi culturali del 2013” come l’ ha definita il New York Times.
Arte e follia
Ci sono degli artisti che più di altri, attraverso il proprio lavoro, dimostrano una difficoltà di adattamento all’ambiente che li circonda. La loro arte ne è testimone di un disagio, di uno scollamento con il momento storico in cui vivono.
E del resto la stessa arte contemporanea è già di per sé frutto di un progressivo allontanamento dalla centralità, dall’equilibrio della tradizione, dato che – come scrive Gillo Dorfles – esprime concetti di “ Dissimetria, disarmonia, diritmia”.
Ecco, dunque, una mostra dedicata ad artisti che hanno esplorato situazioni estreme, dove i confini della razionalità sono ogni volta molto difficili da delineare. Questa mostra, presentata a Ravenna presso il MAR (Museo d’arte della città di Ravenna) dal titolo Bordeline. Artisti tra normalità e follia, è stata pensata per sezioni tematiche. Partendo dall’introduzione con artisti come Bosh, Bruegel e Goya arriva ad artisti moderni con il capitolo “il disagio della realtà”, dove tra gli altri ci sono opere Debuffet Tancredi, Appel, Jorn. Segue poi la sezione il “Disagio del corpo”, con i lavori di Basquiat, Moreni, Rainer e tanti altri. E infine la sezione “Ritratti dell’anima”, che include opere di Bacob Ligabue, Viani.
In una mostra come questa non potevano mancare esempi di art brut. Questa definizione coniata da Jean Debuffet, nel 1945, descrive le opere eseguite da artisti dilettanti, che vivono in condizioni di marginalità sociale. Jan Dubuffet era convinto che molti di questi lavori fossero delle vere opere d’arte e avessero un valore maggiore di ciò che producevano gli artisti professionisti(fu così che cominciò a raccogliere queste opere che poi donò, nel 1976, alla città di Losanna – se volete saperne di più, ne abbiamo parlato il 14 giugno scorso). Le opere di art brut sono nella sezione dedicata alla scultura, chiamata “La terza dimensione del mondo”.
Infine, troverete anche una sezione dedicata alle opere di artisti surrealisti, inseriti nella sezione “Il sogno rivela la natura delle cose”: Dalì, Ernst, Brauner e Klee.
La mostra rimarrà visitabile fino al 16 giugno e potrebbe essere una buona gita da fare durante le troppo brevi vacanze.
Apparizioni in città: la street art è arrivata e cambia il volto dei nostri quartieri
Erano gli anni Ottanta quando a New York gli artisti Keith Haring e Jean-Michel Basquiat cominciarono a farsi notare per i loro lavori. Lavori insoliti, che non nascevano più negli studi: si trattava di immagini che coprivano i muri delle gallerie della metropolitana, gli stessi vagoni dei treni o spazi pubblici abbandonati. L’opera di questi giovani venne poi chiamata graffitismo. Haring e Basquiat morirono entrambi molto giovani, ma questo filone d’arte scomparve. Lavorare liberi nelle città, senza condizionamenti, parlando a tutti, è divenuto sempre più spesso il desiderio di molti artisti. Oggi la pittura di graffiti si è evoluta in street art. Con la street art sono arrivate nuove tecniche: ora si usano non solo le bombolette ma anche i nastri adesivi, i led, gli stencil, oppure si fanno vere e proprie installazioni. Ciò che non cambia, in questi nuovi artisti, rispetto ai pionieri di queste forme di espressione, è l’ attitudine a lavorare per strada, molto spesso di notte, quando nessuno li vede. Cercano quasi sempre luoghi dimenticati o abbandonati e con i loro interventi rigenerano spazi che i nostri occhi non vedrebbero mai. Creano sui muri delle città. I lavori, non vengono mai firmati anche per paura di ripercussioni legali, dal momento che le opere sorgono in luoghi pubblici non autorizzati. E’ poi curioso vedere cosa succede a questi lavori quando l’artista diventa famoso: in quel momento si pongono sia il problema dell’autenticazione dell’opera sia quello della vendita. Non di rado le gallerie sono arrivate a comprare parte dei muri sui quali le opere sono state dipinte: siamo qui nell’ambito delle follie dell’arte contemporanea, alimentate dal desiderio di possesso dei collezionisti. Secondo me e secondo molti queste opere non dovrebbero mai essere portate via dal luogo dove sono nate.
Tra gli artisti più famosi, produttori di queste opere clandestine, c’è Banksy, il leader della street art. Di lui non si sa molto: nato a Bristol lavora in modo particolare con lo stencil che utilizza in modo ironico, toccando argomenti politici e sociali. Ama viaggiare e le sue opere sono apparse un po’ dappertutto. Ama sorprendere e le sue immagini ti fanno riflettere e sorridere; come Sperm Alarm, un graffito apparso l’anno scorso per le strade di Londra.
A chi non lo conoscesse ancora consigliamo di cercare le sue immagini un po’ in tutto il mondo: lui viaggia sempre e – senza dire niente, senza mostrare il proprio nome – lascia i propri lavori nei posti più impensabili.
Se poi volete un panorama completo, magari anche facilmente raggiungibile, della Street Art Svizzera o di quella più vicina a voi, vi rimandiamo al sito Fatcap dove troverete una mappa interattiva interessantissima e dettagliata con luoghi, nomi degli artisti e tanto altro.
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