Oggetti trovati e trasformati: una retrospettiva a Roma di Louise Nevelson

Se vi capitasse di domandarvi chi furono i primi artisti nel secolo scorso a pensare che l’arte si possa fare con qualsiasi cosa e, magari, anche quali siano i nomi di chi furono i primi a sperimentare gli oggetti di uso quotidiano dentro le opere d’arte, dovreste andare con la mente a Parigi nel primo decennio del ‘900 a cercare Picasso e Braque . Parigi, in quei giorni, era il centro d’arte che riuniva tutti quegli artisti orientati verso un’arte nuova e antiaccademica. Picasso e Braque nel 1912 cominciarono ad inserire nei loro dipinti carte da parati, pezzi di legno, o ritagli di giornali. I due artisti creatori del cubismo cercavano in tal modo una strada per riportare l’arte vicino alla realtà, offrendo anche delle nuove spazialità al dipinto.

C’è una scultrice che si inserisce in queste ricerche, un’artista più giovane che avrebbe ereditato il gusto dell’oggetto quotidiano come elemento da inserire nell’opera. Si tratta di una donna russa che si chiamava Louise Nevelson (1899-1989). Un’artista ebrea emigrata con la famiglia, nel 1905, negli Stati Uniti. Un’appassionata di arte africana di cui divenne anche una importante collezionista.

Vi segnalo questa figura perché da pochi giorni, a Roma, si è aperta una grande mostra dedicata a quest’artista. La retrospettiva è a cura di Bruno Corà , si trova nel Palazzo Sciarra, è promossa dalla Fondazione Roma Museo e rimarrà aperta fino al 21 luglio.

Louise Nevelson proveniva da una famiglia di commercianti di legnami e questo dovette influenzarla perché non cessò mai di considerare il legno come materiale privilegiato per i suoi lavori.

Nella biografia si legge che il padre la incoraggiò sempre nel suo lavoro e che credette nei diritti delle donne. Sarà anche per questo che la Nevelson ha sempre affermato la propria fierezza di essere un’artista donna : si sentiva “donna, tanto donna da non voler portare i pantaloni”.

Il riconoscimento internazionale come artista le arrivò solo all’età di 68 anni, in seguito a una retrospettiva al Whitney Museum, nel 1967. Le sue grandi sculture ora si possono ammirare nelle strade di New York, Los Angeles e nei più grandi musei americani.

Il suo lavoro si riconosce bene perché ha sempre girato attorno all’idea di assemblage monocromi, con il nero come colore dominante. Le sculture sono come delle grandi scaffalature, o contenitori, dove si compongono, come in un quadro cubista, pezzi di legno, gambe di sedie, tavoli rotti; tutti oggetti che una volta messi insieme e assemblati formano delle composizioni astratte.

Potete trovare tutte le informazioni della mostra all’indirizzo http://www.fondazioneromamuseo.it

La leggenda della papessa Giovanna

Francesco I è salito al soglio pontificio. E ne siamo felici, ancora non lo conosciamo bene, ma i suoi primi gesti ci sono piaciuti tanto. È finito con la sua elezione il circo mediatico che si era creato attorno alle dimissioni di papa Ratzinger e al conclave e al toto cardinale. Ma non ho intenzione di parlare di Francesco I, ci sarà il tempo per farlo.

Fra i tanti articoli dedicati al conclave mi è capitato di leggere sulla CNN on line un bel pezzo sull’incredibile assenza della voce femminile nella chiesa in generale e, di conseguenza, nell’elezione papale. La speranza naturalmente è quella che finalmente la voce dei 600 milioni stimati di donne cattoliche possa finalmente essere sentita da quello che il giornalista chiamava “continuing an exclusively male club”, e intanto mi dedico a raccontare l’incredibile storia della papessa Giovanna.

Una leggenda, nata intorno al X secolo, e conservatasi nel tempo a causa di manoscritti corrotti e cronisti ignoranti, vuole che ad un certo punto della lunga storia dei papi salì al soglio pontificio una papessa nota come papessa Giovanna, collocata nella maggior parte delle liste fra Leone IV e Benedetto III.

Brevemente la storia incredibile di questa figura femminile.

Figlia di un missionario inglese, ma nata ad Ingelheim, Giovanna visse la sua infanzia e giovinezza presso il monastero di Fulda. Venne istruita dal padre nelle scienze, per le quali la giovinetta dimostrò fin da subito una grande inclinazione. Le versioni della leggenda qui si biforcano, se da una parte infatti la giovane fu spinta ad abbandonare gli abiti femminili, a vestirsi da frate e a domandare di entrare nel monastero per amore, dall’altra ella nutriva questo amore non per un essere umano quanto per le scienze e la medicina, che a Fulda erano tenute in grande considerazione.

Fatto sta che da quel momento Giovanna vestì gli abiti da frate e dopo lunghe peregrinazioni nell’intera Europa giunse finalmente a Roma. Qui si fece subito conoscere dalla cerchia dei cardinali per la sua perizia in medicina e per le lezioni che offriva, affollate dai più dotti sapienti della città. La sua fama crebbe e divenne nota come perfetto esempio di buoni costumi, di religione e di pietà. Fu questa sua notorietà che la portò al soglio pontificio sorpassando in tal modo uomini insigni per nobiltà e dottrina. Giunta al papato Giovanna amministrò la Chiesa con la stessa capacità e santità per la quale si era fatta conoscere. Ma accadde che Giovanna si innamorasse di un diacono con il quale concepì un figlio. E ciò fu l’inizio della sua fine. Tenendo nascosta la sua gravidanza fino all’ultimo momento la leggenda vuole che ella partorisse suo figlio durante una processione. Sopravvissuta al parto finì i suoi giorni in prigione.

Per secoli la leggenda della papessa Giovanni è stata latente nella storia dei papi di Roma. Come tutte le leggende fumosa e incompleta, non si comprende da cosa possa essere scaturita: errore di trascrizione di qualche amanuense, oppure proprio il contrario. Infatti in tempi turbolenti, mancando scrittori, la tradizione orale prese piede e passando di bocca in bocca le notizie assunsero altri contorni e altri significati. A questo genere di favole appartengono infatti altre leggende come quella dell’ebreo errante, dei sette dormienti o di Parigi assediata dal gigante Isauro.

La leggenda della papessa Giovanna fu ritenuta vera per 500 anni alimentata da più parti, oggi non lo è più, sebbene se ne sia ricavato un godibilissimo film.

Dunque in attesa di vedere se non una papessa almeno una donna sacerdote aspettiamo fiduciosi!

https://www.youtube.com/watch?v=UHQgTxTPjG8

Io come ti vorrei?

In questo momento, cari cardinali, mentre vi apprestate a chiudervi nella cappella Sistina, per il conclave, sotto la volta di Michelangelo, penso a come vorrei fosse il nuovo Papa. Voi siete occupati, con i vostri contatti preliminari, nel definire le alleanze, nel pregare per essere pronti al compito. Io mi figuro di parlare con colui che verrà elevato al Soglio di Pietro.

Come ti vorrei Papa che verrai? Innanzitutto spero che tu possa diventare un guida per tutti i cristiani sparsi nel mondo. Ti immagino con un volto mite, ma con un carattere forte; vorrei che sul tuo sguardo si potesse leggere la domanda: perché avete paura?

Spero che tu possa trovare le parole giuste per chi non crede né in te né nella chiesa, in modo che tutti possano sentire da te parole di speranza e coraggio.

Mi piacerebbe sentirti dire che tutte le differenze sono necessarie al disegno di Dio e che non c’è preclusione per nessuno dentro la Chiesa. Se non ci sappiamo mettere noi al servizio degli altri, chi lo dovrebbe fare?

Mi piacerebbe anche che tu sapessi metterti dalla parte delle persone più deboli e meno tutelate. Perché anche la crisi non è uguale per tutti .

E poi amerei che tu non avessi timore di prenderti la responsabilità di tagliare ciò che nella Chiesa proprio non funziona, a rischio di un suo indebolimento, senza aver paura di colpire chi sbaglia e scandalizzare gli ipocriti, proprio come fece Gesù nel Tempio.

Spero che tu sia abituato a rivolgerti agli europei ma anche agli africani, agli asiatici e agli americani, che tanto contribuiscono alla vita della chiesa.

Da qualche anno ormai frequento un chiesa internazionale di lingua inglese e lì ho scoperto tanta fede. Ne ritengo un esempio l’attaccamento della comunità filippina, il loro desiderio di servizio. Ma vi ho anche scoperto i colori e la gioia della musica sacra africana, assieme al pragmatismo degli americani, che si sentono in prima fila nell’organizzare le attività parrocchiali.

Insomma, caro Papa, ti aspetto con ansia perché, se tu decidi di lottare, allora lottiamo anche noi per un mondo un po’ più giusto e meno ipocrita. La nostra chiesa così potrebbe diventare un luogo dove si annuncia la buona notizia: un luogo dove non si conoscono cinismo e indifferenza.

Una dichiarazione d’amore per l’Italia

Fin dal titolo si intuisce che il film documentario scritto da Bill Emmott, ex direttore dell‘Economist e diretto dalla film-maker italiana Annalisa Piras non puó lasciare insensibili.

Girlfriend in a coma, che tradotto significa “la fidanzata in coma”, infatti, è due cose insieme: da una parte una profonda, entusiastica, struggente dichiarazione d’amore per il Bel Paese e dall’altra una crudissima, lucida, a tratti penosa denuncia del malcostume italiano.

Film decisamente scomodo, soprattutto prima delle elezioni politiche, tanto che la prima della pellicola, che doveva tenersi al MAXXI di Roma, é stata bloccata per volontà della presidente della fondazione del museo Giovanna Melandri, che ha motivato il gesto schermandosi dietro la par condicio che vige in questo periodo pre elettorale, ma che è stato bollato dalla stampa, soprattutto straniera, come un atto di “intellectual cowardice”, alla lettera codardia intellettuale.

Impietoso ritratto dei peccati di un’Italia, che, inutile negarlo, esiste, con le sue bassezze e le sue vigliaccherie, in balia di una classe politica corrotta e corruttrice che ha finito per soffocare quel “primato morale” che era la caratteristica principale degli italiani. Un vero e proprio collasso morale, che non ha eguale altrove nel mondo occidentale, scaturito da una crisi economica senza precedenti e aggravato da una classe politica che per decenni si è dimostrata più affezionata alla “poltrona” che al Paese. Eppure… eppure il film è anche uno spaccato sulle forze sane del paese, su quelle eccellenze che con difficoltà trovano spazio nelle cronache, su quella energia rinnovatrice che fa parte del DNA italiano.

Il film è realizzato come fosse un diario di viaggio tenuto da uno straniero che percorre l’Italia, l’ex direttore dell’Economist, appunto. Attraverso l’incontro e l’intervista di più di 50 personaggi italiani, Emmott trae le conclusioni sul male che ha colpito l’Italia. Gli intervistati sono nomi famosi che fanno parte dell’elite politica, culturale ed intellettuale del paese: da Mario Monti, a Carlo Petrini fondatore del movimento Slow food, a rappresentanti della cultura e dell’arte come Umberto Eco, Nanni Moretti e Roberto Saviano a personaggi del mondo economico quali Sergio Marchionne o Jhon Elkan. Tutti raccolti al capezzale della povera fidanzata in coma. Tutti sferzati da domande anche insolenti, ma che aprono scenari inquietanti. Lo stesso autore spiega “Temo che qui ci sia qualcosa per offendere tutti. Diamo uno sguardo alla corruzione istituzionalizzata del Paese, al crimine organizzato, al sistema politico cleptocratico e all’influenza perniciosa della Chiesa”. E di sicuro non risparmia nessuno.

Non nego che è stato difficile arrivare alla fine del film. Ho veramente provato un senso di malessere di fronte a verità per troppo tempo nascoste e ad italici atteggiamenti che non ci fanno onore.

La parte finale della pellicola poi comprende una serie di interviste a persone che hanno per scelta o necessità lasciato l’Italia.

E qui, da italiana, per di più residente all’estero, mi sono dovuta porre una serie di domande su atteggiamenti che sono anche i miei. Tutti gli intervistati infatti si proclamavano disperati per essere lontani dalla patria, ma allo steso tempo affermavano che così come stanno le cose di tornare non se ne parla. Tutti auspicavano un cambiamento, tutti si sono riempiti la bocca di “se si cambia siamo i primi a tornare” ed è proprio qui l’inghippo… Ma se i cambiamenti non contribuiamo a farli anche noi da lontano non solamente divenendo esempi di quelle virtù italiche che in patria non sono più apprezzate, ma in prima persona concorrendo al dibattito sul cambiamento, non è la nostra una forma di vigliaccheria che ci condurrà a veder morire la fidanzata in coma?

Da vedere per riflettere e agire…

Oro e luce in attesa del Natale

Beato Angelico, Annunciazione, 1433-34, Museo Diocesano di Cortona

Continuiamo ad immaginarci di avere tempo e denaro in questi giorni di Natale. Cosi’ andiamo a Lens e dopo aver visitato la nuova succursale del Louvre, da poco inaugurata nella cittadina francese, potremmo partire alla volta di Roma per vedere, nella Galleria Borghese, l’Annunciazione del Beato Angelico. L’opera arrivata dal Museo Diocesano di Cortona sarà visibile fino al 10 febbraio.

L’occasione della mostra è l’iniziativa L’arte della fede, ossia cinque incontri (questo è il primo) con altrettanti capolavori della storia sacra.

Sono passati molti anni da quando ero bambina e con mio padre ero solita andar per musei, ma non posso dimenticare l’effetto e la curiosità che suscitarono in me le piccole cellette del Convento di San Marco a Firenze, affrescate dal Beato Angelico qualche anno dopo aver completato l’Annunciazione di Cortona (1433-34).

Beato Angelico, monaco domenicano, ha dedicato tutta la vita a raccontare attraverso la pittura un atto astratto e poco rappresentabile fisicamente, ovvero il senso della fede e della spiritualità. Guardando l’opera che brilla di oro e lucentezza ci pare di cogliere nell’angelo e in Maria un’intimità e un accordo che fissa un patto di unione e pace per l’umanità.

Due, appunto, sono gli elementi preminenti nell’opera: l’oro che luccica e la luce che abbaglia. L’oro come astrazione dalla realtà , tipico nell’arte medievale, e la luce come diretta emanazione di Dio.

Provate ora a fare un salto e pensate all’arte contemporanea. Più precisamente a due artisti diversi, ma con qualcosa in comune nella ricerca di una dimensione altra da quella terrena. Pensate al lavoro di Yves Klein, ai suoi monocromi come i Monogold degli anni Sessanta.

L’artista stesso ha scritto : “ho creato degli stati di pittura immateriale”. Ancora, spiegando le sue opere monorome e la scelta di usare un solo colore, ha scritto “ con il colore io provo un sentimento di assoluta identificazione con lo spazio , mi sento veramente libero”.

Un altro artista contemporaneo a cui penso guardando l’Angelico è stato Dan Flavin , l’artista minimalista americano che ha utilizzato, come materiale del suo lavoro, la luce al neon che un po’, come nel caso di Klein, diventa un monocromo. Una luce che pero’, nel suo accendersi, si espande nello spazio e avvolge lo spettatore. Non è certo un caso se a Milano l’artista è stato invitato poco prima di morire per lasciare un opera fatta di luce nella Chiesa di Santa Maria Annunciata.

E’ come se Klein e Flavin avessero rinunciato di raccontarci il fatto dell’Annunciazione per trasportarci, uno con l’oro e l’altro con la luce, dove ci ha condotti l’Angelico con la sua magnifica opera.

E’ davvero poi così lontana l’arte contemporanea dal suo passato?

Chiacchiere del lunedì

L’amore e i lucchetti di Ponte Milvio

Cosa meglio di un lucchetto chiuso per sempre può rappresentare l’amore eterno? A Roma sul Ponte Milvio, complice il romanzo di Federico Moccia del 2006 (Tre metri sopra il cielo), l’usanza era quella di chiudere un lucchetto agganciandolo alle centinaia di altri presenti sul ponte gettando la chiave nel Tevere come segno di sempiterno amore. Qualche giorno fa, il Municipio di Roma, grazie a un decreto risalente al dicembre del 2011, ha dato il via alla rimozioni dell’ingombrante cumulo di lucchetti, che non solo, a detta degli abitanti dei dintorni, deturpavano l’aspetto dell’antichissimo ponte, ma anche, a detta dei tecnici, ne minava la stabilità.

Noi ci abbiamo riflettuto.

– Da sempre le monetine nella fontana di Trevi, la mano nella Bocca della Verità, a Roma… per non parlare del pestare le parti basse del Toro simbolo di Torino sotto i portici di Piazza San Carlo (tradizione esportata anche a Milano nella Galleria Vittorio Emanuele)… oggi i lucchetti di letteraria (?) natura, si tratta di consuetudini più o meno antiche che devono essere rubricate come scaramanzia o semplicemente come dabbenaggine?

– La vita delle cose è stato il tema dell’ultima edizione del festival della Filosofia di Modena. In un bel articolo apparso sul domenicale del Sole 24 Ore del 9 settembre, Remo Bodei ha espresso un concetto importante per differenziare il significato di oggetto e cosa. Gli oggetti sono inanimati le cose invece portano in sè affetti, idee e simboli. Non gli oggetti ma le cose hanno la forza di unire storie individuali e collettive, natura e civiltà umane. Ho pensato allora ad un piccolo portafoglio di tela che mia madre mi ha consegno’ anni fa: conteneva un po’ di spago, delle monetine e un coltellino. ” Conservalo, mi disse, apparteneva al babbo di mia madre quando era in guerra”. Quelle cose sono per la mia famiglia un pezzo della nostra storia. Ci serve per riunirci alla storia dell’umanità.

– Concetto bellissimo, di grande poesia, ma a volte le cose che rappresentano per taluni passi importanti nella vita, ricordi, pezzi di storia, possono danneggiare, come nel caso dei lucchetti, un importante e antico bene comune, allora ben venga che, come si è ventilato (ma non realizzato), questa massa di lucchetti trovi posto altrove, per non svilirne il significato che hanno assunto…

-Anche i lucchetti ispirati al romanzetto d’amore di Moccia, dal momento che vengono lasciati su un ponte, diventano automaticamente delle cose. E io sono d’accordo quando Baudel scrive che ” le cose rappresentano nodi di relazioni con la vita degli altri” e per questo non riesco ad essere cosi sicura che sia stato giusto toglierli. Ho chiesto il parere di mia figlia adolescente. Come prima risposta non ha avuto dubbi: hanno fatto bene a toglierli, ha detto. Subito dopo pero’ ha cambiato idea e ha aggiunto: ” certo mi sarebbe piaciuto vederli; non so come spiegarti, ma mi sembra incredibile che ognuno di essi rappresentasse una storia d’amore”…

Fateci sapere che ne pensate… siete pro o contro?

Il cavaliere addormentato

Per una volta sola, lo prometto, farò anch’io un’incursione nell’arte (?) contemporanea. Non ho le competenze e le conoscenze della mia compagna di avventura, Stefania, dunque le mie riflessioni saranno decisamente da profana.

Sfogliando i giornali, mi sono imbattuta nella presentazione di un’opera bizzarra, che mi ha (se non altro) fatto ridere di gran gusto.

L’opera in questione è un’istallazione di Antonio Garullo e Mario Ottocento intitolata Il sogno degli italiani con sottotitolo Per un’immagine definitiva dell’era di Berlusconi ed è esposta per tre giorni soltanto (fino ad oggi) a Palazzo Ferrajoli, a Roma, proprio di fronte a Palazzo Chigi.

Personalmente l’ho trovata esilarante, fantasticamente surreale e mi ha colpita per il suo stile scandalosamente kitsch.

Si tratta di una riproduzione in silicone, uno a uno, del corpo di Berlusconi, mollemente adagiato in una teca di vetro, un incrocio tra la Biancaneve in attesa del bacio del Principe Azzurro e la mummia di Lenin.

Gli artisti per realizzare l’istallazione hanno utilizzato oltre al silicone, capelli organici, stoffa, legno vetro e il risultato è assolutamente stupefacente, madame Tussauds ne sarebbe deliziata. Il particolare è che il nostro ex capo del governo è rappresentato steso nel sonno (eterno?) con un sorrisetto compiaciuto sulle labbra, in doppio petto blu e cravatta a pallini allentata, con un braccio appoggiato sul pamphlet auto celebrativo Una storia italiana, che aveva fatto recapitare a tutte le famiglie italiane, le pantofole con la faccia di Topolino e la mano sinistra infilata significativamente nei pantaloni slacciati.

Rappresentazione del culto della personalità o piuttosto il corpo del capo come icona del potere? La realizzazione lascia aperte tutte le possibili interpretazioni.

I due autori nella presentazione scrivono che essa può servire a «porre un diaframma tra la realtà contingente e il giudizio storico. Se gli italiani sono in ultima analisi “Un popolo di santi, di poeti, di navigatori…” allora l’arcitaliano Silvio ne costituisce degno simulacro».

Io rimango sempre attonita davanti all’arte (?) contemporanea, ho la difficoltà del neofita a comprenderne i linguaggi… volutamente non ho mai parlato di “opera d’arte”, perché non sono sicura che questo lo sia effettivamente. Tutto sa di provocazione e forse di desiderio di pubblicità (basta che se ne parli…), ma chi vivrà vedrà!

Devo confessare però che questa volta la performance ha toccato la mia ilarità, e, sebbene priva di gusto (o per lo meno tatto), l’ho trovata ricca di spunti per ripensare alla recente storia del Bel Paese.

Se l’arte parla del suo tempo come può essere ignorata?

Se l’arte parla del suo tempo come può essere ignorata? Questo mi domando ogni volta che mi si dice di non comprendere l’arte contemporanea. Certi artisti di oggi esprimono i sentimenti del mondo in modo molto più chiaro di mille parole o documenti. Unico vero segreto è quello di riuscire ad ascoltare le immagini. A questo proposito, è difficile non sentire la forza e il richiamo delle opere di Doris Salcedo. L’artista colombiana, infatti, ormai da venti anni, presenta con i suoi lavori il grido di dolore e la memoria di tante vittime anonime delle guerre e della violenza. Chi volesse capire cosa intende per arte la Salcedo, potrebbe andare a Roma, al Maxxi, dove fino al 24 giugno è visibile la sua installazione Plegaria Muda. L’opera consiste in un centinaio di tavoli sovrapposti, dai quali nascono esili fili d’erba. L’artista da sempre predilige per i suoi lavori oggetti di uso quotidiano, come semplici tavoli o sedie, oggetti comuni che raccontano la storia di gente comune.

L’opera fatta per Roma è come una preghiera dedicata a tutte quelle persone che non hanno voce per parlare della loro esistenza. Nella visione di insieme i tavoli, ripetuti come moduli, ricordano un cimitero. È come se fossero tavoli-bare, da dove però rinasce la vita: i fili d’erba simbolo di speranza. L’artista dice che l’idea di questo lavoro è nata a seguito di un viaggio nei ghetti di Los Angeles, compiuto dopo aver letto in un rapporto ufficiale che nell’arco di venti anni vi erano morti diecimila giovani, deceduti tutti di morte violenta. L’opera è anche una risposta ai 1500 giovani uccisi dall’esercito colombiano, tra il 2003 e il 2009, senza nessuna ragione apparente.

Doris Salcedo non è nuova a questo genere di interesse e tutta la sua ricerca si è focalizzata su questi temi. Nel 2007 era presnete con un grande lavoro alla Turbine Hall della tate Modern: Shibboleth un’installazione che consisteva in una frattura del pavimento lunga 167 metri. Anche in questo caso il lavoro voleva far affiorare il tema della discriminazione , la dura esperienza degli immigrati del Sud del mondo che arrivano in Europa.

Un’altra sua opera gigantesca era stata creata, nel 2003, per Art21 la Biennale di Istambul dove in uno spazio vuoto tra due edifici in centro della città aveva impilato una marea di sedia di legno, per commemorare le vittime anonime, quelle che soffrono in silenzio perché emarginate e senza voce.

Le sue opere occupano vasti volumi, hanno un peso importante e quindi con quella forza prorompente riescono a rendere nello spazio e la memoria delle masse di persone scomparse e anonime cui si riferiscono.

“So che l’arte non può agire in modo diretto. So che non posso salvare nessuno, ma l’arte può mantenere vive le idee, idee che possono influenzare le nostre vite” (Doris Salcedo da articolo su www.women.it di Marilde Magni, 13 marzo 2004)

Allora lasciamo che l’idee dell’arte contemporanea possano circolare il più possibile.

… ci piace

… il 9 maggio prossimo sarà la Festa dell’Europa, infatti proprio il 9 maggio 1950, Robert Schuman presentava la proposta, nota come “dichiarazione Schuman”, di creare un’Europa organizzata.

Oggi, che l’idea di Europa si è decisamente appannata, questa giornata dovrebbe avere una maggiore eco per ribadire e sottolineare quei valori di pace e di solidarietà che i paesi che fanno parte dell’Unione europea hanno deciso di condividere e conservare.

In ogni paese della comunità europea si festeggerà in modi diversi. A Roma dal 3 al 19 maggio si tiene il Festival dell’Europa, evento ricco di appuntamenti musicali e culturali, nell’ambito del quale l’8 maggio Il Maestro Uto Ughi terrà un concerto nella Piazza del Campidoglio, inoltre per il 19 maggio è prevista la Notte bianca dei Musei d’Europa… peccato non esserci!

Darwin, Cavalli Sforza e…il transito

CavalliSforza_Pievani_HomoSapiens1 — La copertina del catalogo

A proposito di transito, chiunque abbia dimestichezza o solo qualche frequentazione con questo argomento, sa che la prima cosa da cui si viene investiti quando si è in transito è il “miscuglio di tipi”.

Asiatico, europeo, afro e via dicendo, sino alla completa circumnavigazione del globo e ritorno.

Ci sono dei posti, che in quanto a miscuglio di “tipi” offrono una varietà tale che a viverci si ha la stessa impressione che si avrebbe sfogliando pagine di antropologia.

La Svizzera, e la Côte du Leman, ne sono veramente un notevole esempio.

E allora, capita di incrociare occhi decisamente asiatici su un viso troppo pallido per essere tale o occhi troppo chiari per venire dallo stesso medio-oriente da cui proviene il resto del volto, e cosi via.

Tra un pensiero fugace e l’altro su questo argomento, ci si ritrova a farsi domande dal sapore lontanamente antroplogico.

E noi, che siamo italiani, ci accorgiamo che italiano è uno dei piu’ importanti genetisti e antropologi a livello mondiale, Luigi Luca Cavalli Sforza, che lo scorso Gennaio ha compiuto 90 anni.

Il suo 90esimo compleanno coincide con l’apertura a Roma di Homosapiens, mostra di cui Cavalli Sforza è curatore. E non una mostra qualunque, ma la prima grande mostra internazionale, che ci dice da dove veniamo e come siamo riusciti a popolare l’intero pianeta.

Cavalli Sforza, riportando un pensiero che fu già di Darwin, ci illumina sull’impossibilità di parlare di razze all’interno del genere umano, data la variazione dei caratteri umani profondamente continua.

E cosi, la prossima volta che guardando qualche nostro compagno/a di “transito”, ci scopriremo ad ammirarne il risultato di combinazioni genetiche delle piu disparate, ci conforterà sapere che queste sono anche la meravigliosa conferma che il razzismo non è scientificamente accettabile.